Big Draw 2014 ¡A dibujar!

October 14, 2014, 7:08 am

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Big Draw Barcelona, 2014

Otro año más y con este van 5 que tenemos que tener las herramientas listas para un domingo de pinta y colorea. El domingo 19, en los barrios de Sant Pere-Santa Caterina y el Born se impartirán (gratis) un montón de talleres en los que la ilustración es la reina de la fiesta.

Este año podrás crear tu propio jardín, hacer postales, ilustrar cosiendo, dibujar con tableta o hacer un libro de recetas ilustradas y ¡comestibles!- degustación incluida-. Entre los ilustradores que imparten los 24 talleres de la quinta edición encontrarás a Carme Solé Vendrell o Philip Stanton o los Hun Deok Lee, con los que podrás dar una nueva vida a tu vieja tabla de skate ¿Qué? ¿A cuál te apuntas?

Recuerda, si estás en Barcelona o vas a venir a mancharte las manos al Big Draw, pásate por aquí

Mapa Big Draw Barcelona, 2014

Recuerda, el domingo 19 de 11 de la mañana a 7 de la tarde ¡Big Draw! un evento para ilustres e ilustrados que no te puedes perder. Hasta entonces.

Más info:

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Con la punta-Ta de un zapato-To

October 26, 2014, 7:48 am

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No sé si Tomi vive en la popular Calle 24, lo que sí sé con seguridad es que Ungerer es un niño grande, un hombre que parece haber bebido del elixir de la eterna juventud y no se hace mayor con el pasar de los años. A Tomi le gusta jugar...

Tomi Ungerer (vía Instagram)

Supongo que su sentido del humor y sus ganas de jugar le ayudan a mantenerse tan jovial y divertido como hace 50 años, fecha en la que veía la luz este fabuloso libro de acertijos visuales: One, Two, Where's my shoe?. Este particular libro-juego que fue publicado por primera vez en Estados Unidos en 1964 (por la editorial neoyorkina Harper&Row) se reedita medio siglo después con nuevos colores y layout dando un aspecto de un libro "totalmente diferente" en palabras del propio Ungerer. A continuación, la cubierta de la primera edición y el resultado de la reedición con su correspondiente lavado de cara.

One, Two, Where's my shoe?. Tomi Ungerer. NY: Harper & Row, 1964

¿Dónde está mi zapato? Tomi Ungerer. Sevilla: Kalandraka Andalucía, 2014

Realmente parece más vintage la nueva que la original ¿no les parece? en cualquier caso, la cubierta original nos desvela que Tomi era ya un ilustrador valiente hace 50 años, si no díganme ustedes quién tendría el arrojo de hacer un álbum sin palabras para niños con una cubierta negra ¿eh? sólo Tomi, siempre Tomi.

En ¿Dónde está mi zapato? el alsaciano nos invita a participar en una aventura delirante en la que el objetivo es encontrar los zapatos ocultos en las imágenes; diferentes atmósferas, múltiples y variados personajes y todos con un denominador común: el zapato, un objeto que el lector buscará a través de la narración visual. Algunos ejemplos de la zapatería ilustrada de Tomi. ¡Tiembla Laboutin!

¿Dónde está mi zapato? Tomi Ungerer. Sevilla: Kalandraka Andalucía, 2014

Morro de cerdo al rico zapato de tacón de aguja, mostachos-babucha para el faquir o botas con galones para los altos cargos militares ¿con cuál se quedan? a mí me encanta el "Pezmocasín", sin olvidar el "Botanic", el afamado trasatlántico-bota hundido en 1912, probablemente, por causa de un agujero en la suela.

Así es la zapatería ilustrada de Tomi Ungerer, un catálogo de calzado único e insólito por lo que a fisonomía de los modelos se refiere. A partir de la lectura de este post, recuerden tener bajo control sus zapatos ya que nunca se sabe dónde pueden ir a parar.

Lo dicho: Zapatero...

Sigue zapateando con Tomi en:

*Por cierto, en la página de créditos nos encontramos:

Título original: One, Two, Three, Where's my shoe

Queridos editores, creo que han contado uno de más, con One, Two, que rima con Shoe, hubiese quedado estupendo. En próximas reediciones...

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Stendhal, siempre Stendhal

October 27, 2014, 9:54 am

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"Había llegado a ese punto de emoción en el que se encuentran las sensaciones celestes dadas por las Bellas Artes y los sentimientos apasionados. Saliendo de Santa Croce, me latía el corazón, la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme".

Stendhal

Y aquí la pequeña aportación de Pequeña Ciudad a Stendhal, un estupendo proyecto de fotografía & bibliotecas de Librosfera. Es sin duda un secreto a voces que muero por los libros ¿no? pues aquí un disparo certero en el corazón de la Biblioteca Merçe Rodoreda (BCN).

Muerta pues a lo Anatomy of a murder de Saul Bass, acabo de darme cuenta de que sin querer, esa foto ha sido tomada en el sitio adecuado: la sección de cine, sí, la de los créditos de Saul Bass y otras figuras como Clint Estwood, Robert Zemeckis o el mismísimo Hitchcock que me vigilan desde las baldas.

No pierdan detalle del proyecto, ¡difúndanlo! ¡es fantástico! y de paso den la enhorabuena a Librosfera por inocularnos su pasión por los libros&bibliotecas ¡Gracias!

Todo y más en:

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¡Rayos!

November 3, 2014, 9:43 am

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¡Rayos y centellas! bueno, en realidad sólo rayos, y rayos para dar y regalar: tormenta de rayos para arrancar el otoño, a los políticos ¡que los parta un rayo! o los electromagnéticos, los rayos X, esos que te atraviesan el cuerpo para hacerte una foto la mar de borrosa ¿estamos, no?. El caso es que cuando un humano visita la consulta de radiología, todo transcurre con cierta calma y tranquilidad: te desnudas, te enfundas un diseño horroroso de papel, te hacen la foto, te sacas el papelote-modelazo, te vistes, esperas fuera... y si todo ha ido bien, te vas a tu casa.

Dándole vueltas al tema llegué a la conclusión de que las radiografías son una especie de "pesadilla ilustrada" en las que nunca reconoces qué es cada cosa, todo te parece que está fatal, negro, muy negro. A partir de ahí pensé en lo interesante que sería la impresión en varias tintas de estas radiografías ¿impresionante?. No fui la primera que lo pensó, es más, hay alguien que lo ha hecho, pero aún hay más, no lo ha hecho con simples y manejables humanos ¡no!, lo han hecho ¡con un elefante!

Los artífices de esta radiología para mastodontes a todo color son Valerio Vidali y Violeta Lópiz. ¿Queréis ver los resultados? vamos pues, preparad vuestras pantallas para descubrir el futuro de las placas.

Valerio Vidali & Violeta Lópiz. Elephant RX. Serie de serigrafías

Esto es Elephant RX, un mano a mano de los ilustradores Valerio Vidali y Violeta Lópiz que dio como resultado una espectacular serie de serigrafías en las que se muestra al paquidermo pasado por rayos. Línea y color formidables, apabullantes.

Valerio Vidali & Violeta Lópiz. Elephant RX. Serie de serigrafías

Son unas radiografías fabulosas, se entiende todo y además los ojos disfrutan a lo loco con esa inmensidad de líneas, y colores brillantes para destacar el esqueleto, el aparato digestivo, el sistema circulatorio...

Si estas imágenes te parecen enormes, espera a ver al Elephante RX en la biblioteca, sí, sí, un elefante radiado talla súper grande que te acompañará en la sala de lectura y te sorprenderá mientras subes la escalera.

Biblioteca Pública de Melzo (Italia)

¡Que afortunados los lectores de la biblioteca de Melzo! Sentarse a leer allí, bueno, mejor aún, sentarse a mirar, debe ser una billete para viajar entre libros y elefantes. Debería ir todo el mundo, no el mismo día ¡claro!.

Valerio Vidali, ilustrador italiano, es un tipo sencillo, apasionado por la botánica y las cometas. En 2012 consiguió el premio de la Bienal Ilustrarte y un Cj Picture Book Award. Por su parte Violeta, ganadora del premio coreano en 2011, va de acá para allá con sus lápices y sus cuadernos en los que el collage le permite guardar un poco de todo lo que vive entre sus dibujos.

Así que ya saben, la próxima radiografía que se hagan, hablen con su radiólogo o médico de familia y díganle que si le ponen un poco de color, estarán poniendo un poco más de vida.

De elefantes y rayos:

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Cosas que los nietos deberían tener

November 4, 2014, 10:05 am

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Tener, que no saber, porque no vamos a hablar del Mr. E, ni de los Blackie ni de los Eels. Vamos a hablar de cosas que los nietos deberían heredar sí o sí, objetos de sus antepasados que molan a muerte en la actualidad y que además son motivo de orgullo para el heredero.

Pongamos por caso que alguno de ustedes tuvo la suerte de disfrutar de una abuela punki (sólo para lectores menores de 15 o no salen las cuentas porque el movimiento surgió a mediados de los 70), algo un tanto inusual e incluso bizarro pero no imposible ¿no? pues bien, si esto fuera así, ¿cuánto no daría usted como nieto por los pitillos de la abuela Ramone? ¡esos pantalones son una alhaja! de valor incalculable, añadiría.

El caso es que en la vida ilustrada todo es posible y es allí donde conocí a alguien que le ocurrió lo de los pitillos. ¿Desconcertante? quizás, pero tan real como la vida misma. Miren, miren

Granny's punk-ass pants. David Goldin

Este mozalbete rebuscaba entre las reliquias que sus abuelos dejaron atrás al mudarse al siempre soleado Miami cuando se encontró por sorpresa unos pantalones la mar de punketillas. Estupefacto por el estilazo de la abuela, corrió como un rayo a probárselos et voilá, súper pantalones pitillo para empezar a lo grande en la escuela de arte.

Granny's punk-ass pants. David Goldin

Feliz como una perdiz con los "pantalones de la abuela", le quedaban perfectos, no le faltaba nada, no le sobraba nada ¿o sí?

Granny's punk-ass pants. David Goldin

Lo mismo faltaba un poco de tela en el "tiro" o un poco más de cabeza para no cargarse los súper-pantalones de la herencia en el minuto uno, quién sabe, el caso es que el individuo observó el panorama con el ánimo de botella medio llena y pensó que ahora ya eran más suyos, que con su toque de desgaste sus pantalones serían lo más de lo más de la escuela. Y poco más, tampoco nos va a contar su vida a propósito de unos pantalones pitillo.

¿Ven como todo es posible? en este caso el mago que ha hecho realidad el sueño de cualquier punki-quinceañero, además de contar una estupenda historia a partir de un trozo de tela es David Goldin, un ilustrador que vive cerca de Woodstock y que hace unos años fue ayudante de Tomi Ungerer ¿cómo se quedan? Goldin se graduó en la Rhode Island School of Design, poco después trabajó con el ilustrador y animador R.O. Blechman en el estudio Ink Tank y para Steven Heller en el New York Times Book Review. A partir de aquí se convirtió en ayudante de Tomi Ungerer y tras la experiencia comenzó a ilustrar sus propios libros infantiles.

Y hasta aquí la batallita ilustrada de la tarde. Miren a sus abuelas y echen cuentas; si salen los números, pregúntenles dónde guardan sus viejos pantalones.

La verdadera historia y otras más en:

https://www.behance.net/gallery/18348319/Grannys-Punk-Ass-Pants

http://www.drawger.com/goldin/?article_id=14555

http://www.davidgoldin.com/

http://www.roblechman.com/

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1 cadáver, 5 ilustradores

November 6, 2014, 7:46 am

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1 Cadáver, 5 Ilustradores. BNE, 2014

Este es el título de una serie de talleres de ilustración que se están celebrando en la Biblioteca Nacional desde el pasado mes de septiembre. Todavía estáis a tiempo del último, así que ¡a correr!

La técnica del Cadáver Exquisito (el juego de los surrealistas) es la referencia para el desarrollo de estos talleres. 5 ilustradores: Sergio Mora, Pep Brocal, Blanca Hernández, Ana Bustelo y Coqué Azcona crean una imagen a partir de una serie de valores (los talleres llevan el patrocinio de una megaempresa energética que trata de mostrar su responsabilidad social con eventos como éste ). Todos crearon su imagen a partir de la última frase y fragmento de imagen del ilustrador que les antecedía.

A partir de ahí los asistentes podrán escuchar de boca del ilustrador el proceso creativo, las técnicas, etc y llevar a cabo sus propios bocetos por medio de la propuesta de ejercicios prácticos de ilustración.

No se lo pierdan, pinta muy pero que muy bien.

Toda la info en:

http://www.bne.es/es/Actividades/E2_educacion_energia/5M5V/1cadaver5valores.html

http://www.bne-e2.net/#!cartas-de-navegacin/c10sz

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Issun Bôshi: El mundo es de los pequeños

November 10, 2014, 10:22 am

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Antes de empezar este recorrido por el mundo de los valientes pero diminutos héroes de la LIJ, hagamos un repaso al tallaje de sus más ilustres representantes. Tenemos pues a Garbancito, que tenía el tamaño de un chícharo, Pulgarcito, que no era más alto que un dedo pulgar y ¿Kirikú? claro, el pequeño más pequeño de todas las tribus africanas. Hasta aquí nada nuevo, todos ellos proceden de cuentos de la tradición oral de diferentes países y tienen además en común algo terrorífico: que siempre van a caer donde no deben.

Pues bien, recientemente hemos tenido noticia de un nuevo "niño coraje" de proporciones minúsculas: Issun Bôshi, un pequeño japonés al que la palma de una mano le da para construirse un barrio residencial, otro niño tan pequeño como Pulgarcito pero con los ojos rasgados. Le llaman Issun Bôshi que significa algo así como "aquel que no es más alto que un pulgar"

¿Quieren conocer al microscópico héroe japonés al que un cuenco de arroz le sirve de balsa? ese es Issun Bôshi

Issun Bôshi. ICINORI. Barcelona: Ekaré, 2014

Poco que contar que los lectores no sepan ya: el niño que siempre es pequeñito pero my majo y habilidoso, abandona el hogar familiar para emprender su viaje iniciático. En esta ocasión la aventura no es como la de Henri, que se empeñó en ir a París, en el cuento de Issun el destino es la ciudad, cualquier lugar fuera del campo en el que encontrar un sitio a su medida.

Avatares mil, morriña y peligros por doquier, sin olvidar un sitio para el amor, así de intensa resulta la travesía del pequeño japonés. No debemos olvidar que ha de enfrentarse al mayor de sus temores para crecer radicalmente y...

Issun Bôshi. ICINORI. Barcelona: Ekaré, 2014

La atmósfera que crea el color durante toda la narración es completamente absorbente. Los ocres y los naranjas son el fuego en torno al que nos reunimos para escuchar el cuento, los bloques de color sólido de las páginas que sólo llevan caja de texto nos dejan respirar tras el dibujo al detalle de algunas de sus dobles páginas. Un formato exquisito, a la altura de las circunstancias (20x33 cm), una maquetación cuidadosa y un trabajo gráfico espectacular, con dibujo de trazo grueso, aproximándose al grabado.

Los responsables de esta fantástica edición del cuento popular japonés son Mayumi Otero y Raphael Urwiller, las dos cabezas visibles de ICINORI, una pequeña casa editorial que publica libros y estampas por el puro placer de diseñar e imprimir sus propios trabajos. Además de hacer unos libros increíbles, diseñan cubiertas, portadas para revistas como Hors Cadres y también dedican su tiempo a la animación. Es una especie de proyecto de autogestión, no me he enterado muy bien, pero dicen que son como una asociación sin ánimo de lucro que se financia con cada libro que venden a las editoras; con lo que obtienen emprenden un nuevo proyecto. Todo esto lo hacen con una Riso de 8 colores (sistema de impresión digital), una prensa de huecograbado y una grapadora Stapler (son mis héroes desde ya).

El álbum Issun Bôshi fue Mención en la categoría Ficción en la pasada edición de los premios de Bolonia, y el jurado dijo de él cosas como: "presenta una antigua estética japonesa muy teatral""bellamente diseñado", blabla... porque sobraban los motivos para elogiarlo. Los primeros en publicarlo fueron los franceses de Actes Sud y después la edición en inglés de Little Gestalten, la italiana de Orecchio Acerbo o la recién publicada edición en castellano/ catalán de la editorial Ekaré (traducido por la incombustible Teresa Durán).

Hace mucho tiempo que no tenía entre manos un álbum tan bien hecho, de principio a fin. Es un placer encontrarse libros como éste. Les invito a añadirlo a las baldas de su biblioteca. Dense el placer.

Sigan el viaje de Issun Bôshi por aquí:

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Oriol Miró, un tipo de letras

November 11, 2014, 9:48 am

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Oriol es calígrafo, un artista de la escritura y un profundo conocedor de los detalles que la caracterizan. Es un hombre de trazo y letra, un artesano de la escritura para el que su trabajo consiste en analizar cada letra, explorar su contexto y a partir de ahí reproducirlas y hacerlas evolucionar.

Hace unas semanas tuve la fortuna de asistir a un taller de la Vostok en el que Oriol Miró presentaba a los participantes una clase poco habitual, una clase de esas que no suele dar. Iba a hablarnos de unas letras especiales: las tenebrosas señoras Góticas. Pasen y vean lo que salió de esas fantásticas plumillas handmade con las que el ponente nos incitó a mancharnos de tinta y escribir

Vostok Vinazo Caligráfico con Oriol Miró. Barcelona, oct. 2014

Estas son algunas de las letras que resultaron de la tarde con Oriol, todas sacadas del entusiasmo que provoca verle escribir: como ven, había góticas francamente buenas- fíjense sino en la composición alucinante de Thalia Lavaill- última imagen-.

Antes de ponernos manos a la obra, tuvimos el privilegio de ver de cerca los cuadernos de trabajo del calígrafo. Tomando éstos como escenario, Oriol nos habló de algunas de las letras que más aparecen en su vida, como el trío MLK, M L K como las de Martin Luther King entre otras referencias; la S, la "fiesta" de los calígrafos: sinuosa, fenomenal y sexy ¡lo tiene todo!

Aquí dejo muestra de algunos de los trabajos que pudimos ver durante este taller de la Vostok.

Vostok Vinazo Caligráfico con Oriol Miró. Barcelona, oct. 2014

Estas fantásticas letras, abecedarios, fachadas y demás pueden verse en su web, la que recomiendo visiten inmediatamente si es que por sus venas corre algo de tinta. Gracias Oriol por tu buen hacer y gracias a la Vostok por brindarnos la oportunidad (que ahora son Vinazos, que no Vermuts) de volar en vuestra nave a otros planetas como el de Oriol (para mí, un auténtico extraterrestre; he evitado poner imágenes de mis churro-ticas/ churro de góticas por no herir la vista al lector ni la sensibilidad de Oriol si algún día llega hasta aquí).

Deberían asistir, es una oportunidad única ¿o no? pues no, no-no, habrá doble oportunidad. Piénsenselo, pueden ustedes asistir hasta en 2 ocasiones sin necesidad de clonarse, sólo se requiere tener ganas de pasar unas horas exquisitas viendo a un calígrafo ejercer su oficio, con eso es suficiente (ah claro, e inscribirse).

Así que ya saben, despacito y buena letra.

Más letras, más Oriol y más Vostok por aquí abajo:

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Thierry Guetta, aka el jeta de Mr. Brainwash

November 23, 2014, 9:09 am

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Thierry Guetta, Mr. Brainwash.
Imagen tomada del folleto de la exposición de la Galería 3punts de Barcelona, 2014

Mr. Brainwash llega a la ciudad condal. Tras una carrera imparable en EE.UU, el francés Thierry Guetta se cuela en una galería de Barcelona para hacernos partícipes de su arte, pero ¿qué arte pretende vendernos Guetta? ¿será acaso que lo que trata de vendernos es una moto? supongo que más bien lo segundo.

El genio del plagio y la "no identidad" lleva unos cuantos años viviendo del cuento de ser artista, pero viviendo a lo grande: que si exposiciones por todo EE.UU y Europa, que si portadas de discos para gente como Madonna o los Chilli o la reinterpretación de clásicos como Degas o Rockwell para el set de los Oscars del guionista Seth McFarlane ¿apabullante, no? ¿carrera meteórica? tal vez, pero en resumen podríamos decir que más que artista, es un gran caradura.

¿Recuerdan el nacimiento de este personajillo? Exit through the gift shop, el supuesto documental que pretendía narrar las acciones más espectaculares del gran Banksy, fue la catapulta a la fama de Guetta, quien descubrió durante el rodaje que él también podía ser un artista como los que retrataba. Obey, el propio Banksy o los míticos y extendidos Space Invaders fueron destronados en el documental por un tipo que no sabía hacerse la o con un canuto pero que supo ver que la compañía que frecuentaba podía traer pingües beneficios a sus agujereados bolsillos de comerciante de baratijas (la leyenda cuenta que tenía una tienda vintage).

Así que un día decidió que era más artista que Lola Flores, se puso a pegar botes de sopa Campbell y otros fusilamientos de Warhol, un poco de pintura por encima, stencil de Banksy, unos periódicos... ¿técnica mixta? o sea, nada que no pueda hacer ninguno de sus hijos o sobrinos en edad adolescente y con cierta inclinación por el street art. Por irrisorio que parezca, así es como lo consiguió, así es como llegó a donde está y como tiene la desfachatez de colocar sus obras en galerías de medio mundo a precios que oscilan entre los 3.000 y los 160.000 € ¡that's life!

Detalle de la pieza Floquet de neu 9. Mr. Brainwash, a partir del folleto de la exposición
Galería 3 punts. Barcelona

Floquet de neu 9. Mr. Brainwash. Galería 3 punts. Barcelona

El genio de Guetta ha hecho algo especial para Barcelona, una serie de piezas en las que aparecen iconos de la ciudad como el pobre Copito de Nieve (que a efectos de reclamo tanto vale para un roto como para un descosido), el Barça o el mismísimo Dalí. Todo un detalle, sin duda un alarde de sensibilidad que supongo que lo único que pretende es cautivar los corazones y carteras de algún "moderno/moderna" con vocación de coleccionista de lo "must de lo must".

Hace unos años, a propósito de la presentación del documental, durante el transcurso de una entrevista preguntaron a Banksy qué pensaba del genio francés. Esta fue su respuesta:

"Según sé, Sr. Lavado de Cerebro no sabe mucho de arte, especialmente del suyo. Parece juzgar el éxito de una exposición por cuántos metros cuadrados cubre y cuánto dinero hace. Esto probablemente lo hace el máximo artista de nuestro tiempo".

Me quedo con la sensatez de las palabras de Banksy y abandono la galería through the gift shop. Ahí les dejo con Mr. Brainwash, un nuevo estandarte del cinismo y la especulación en el arte.

Pasen y vean al magnate del espray:

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Piensa en esto: cuando te regalan un reloj

December 2, 2014, 1:54 pm

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te regalan un pequeño infierno florido, una cadena de rosas, un calabozo de aire [...] Esto es ni más ni menos que el arranque del Preámbulo a las instrucciones para dar cuerda al reloj de Julio Cortázar, un breve relato perteneciente al Historia de cronopios y famas (1962).

Lllevo días pensando en el tema ¡qué pena! qué mala impresión tenía el pobre Julio de los relojes ¿no? sí, especialmente los de pulsera. El caso es que esta fobia pudo haber sido resuelta si el relato hubiese aparecido 3 años más tarde, en 1965. Pero ¿qué ocurrió en esa fecha que pudo haber acabado con la animadversión de Cortázar a los relojes? Pues fue el momento que otro genio de la creatividad, George Nelson- diseñador americano, creó sus famosos Zoo Timers, unos relojes únicos en su especie que dejarían a don Julio con las patitas colgando.

¡Vamos reloj! danos la hora y no nos hagas esperar más

Serie Zoo Timers. George Nelson. Vitra

El caso es que el padre del modernismo y uno de los pilares del diseño moderno americano, George Nelson, junto con el equipo de su estudio formado por los diseñadores más sonados del momento: Bill Cannan, Lance Wyman, Jerry Serapachello y Roger Zimmerman, el equipo que trabajó en los seis relojes de la colección original Zoo Timers.

El pez se llama Fernando, el elefante Elihu, Omar es la lechuza y también está la tucán Talulah. Así hasta seis animales de colores vivos que en lugar de plumas o escamas llevan manecillas ¡una fiesta que no se acaba nunca! o sí, pero vuelve a reanudarse tras cambiar una pila. Nelson tenía antecedentes en esto de los relojes (para entonces sus diseños de muebles, lámparas y sillones se habían colado en miles las casas de América); él es el padre de los famosos Ball o Eye Clock.

Los relojes infantiles fueron diseñados originalmente para la Howard Miller Clock Company y gracias a Vitra han llegado hasta nuestros días (la colaboración entre el diseñador americano y la marca suiza comenzó en 1957). Nelson, tras estudiar arquitectura, se mete en el papel de diseñador para emprender una revolución de la casa desde dentro: hay que modernizarse, no basta con ser sofisticado en determinados aspectos como la ropa o los automóviles, el verdadero americano moderno tiene en su casa el mayor de los escaparates de su prosperidad y progreso. Así, George Nelson, primero solo, después con sus estudios, más tarde al frente de Miller- para quién fichó a los genios de Ray & Charles Eames o Alexander Girard- acercó el diseño de la época a los hogares americanos a través de objetos de uso cotidiano que con los años se han convertido en auténticos iconos el diseño de mediados del XX.

George Nelson at American National Exhibition, Moscow, 1959

George Nelson murió en Nueva York en 1986, momento hasta el que siguió trabajando en su estudio. Su archivo pertenece a los fondos del Vitra Design Museum (Alemania).

Todo y más:

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Mi casa

December 8, 2014, 8:11 am

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Decía la canción: "Mi casa está en el mar con siete puertas. Yo ya no vivo allí pero me esperan..." y es que como en casa, no se está en ninguna parte. A partir de esta premisa, un pequeño y selecto grupo de arquitectos- entre los que se reunen los más brillantes y creativos profesionales de los dos últimos siglos- hicieron de la casa un espacio diferente, único y confortable, un espacio en el que el arte, la arquitectura y la naturaleza se entremezclan para crear hogar. Estos espacios creados para disfrutar, vivir y admirar salieron de las cabezas de genios como Le Corbusier, Frank Gehry, F. Lloyd-Wright, los Eames o Rem Koolhaas quienes pretendieron hacer del hogar algo más allá de una simple casa ¿cómo? valiéndose del mejor de los decorados: la naturaleza.

Las casas que vamos a ver tienen como denominador común- además de ser piezas icónicas de la arquitectura moderna- que han sido creadas en medio de espacios naturales, de manera no invasiva (respetando y adaptándose a las leyes del entorno) y usando materiales innovadores o poco convencionales para escenarios de estas características. A continuación y de la mano y rotuladores del diseñador y pedagogo francés Didier Cornille nos adentraremos en las casas más fantásticas de la arquitectura moderna, paseando desde sus recibidores hasta sus rincones más íntimos tendremos una visión de cómo la arquitectura puesta al servicio de sus moradores y no de simples y errantes admiradores, es capaz de generar espacios modernos y funcionales en entornos naturales, por momentos incluso agrestes, en los que vivir y disfrutar de tu espacio se convierte en la verdadera obra de arte.

¿Nos vamos a ver casas? Pues con permiso de sus inquilinos, iremos entrando en orden y en silencio, por esto de disfrutar sin contaminar acústicamente. Vayan pasando.

Toutes les maisons sont dans la nature. Didier Cornille. París: Helium, 2012

Y nuestra tournée arranca en la década de los 30 con Le Corbusier y Villa Savoye (una de sus construcciones estrella y fin de ciclo de las villas blancas), una casa de fin de semana a las afueras de París donde hormigón y dominó son las claves; lo del dominó (Dom-ino) es a propósito del procedimiento de construcción que el arquitecto inventa.

Allá vamos

Toutes les maisons sont dans la nature. Didier Cornille. París: Helium, 2012

En Poissy, Le Corbusier proyectó una casa de cemento armado sobre grandes pilotes, de muros muy ligeros -funcionan como membranas que guardan en su interior enormes ventanas horizontales- y con una terraza-jardín de escándalo que ya quisieran tener de cubierta principal muchos de esos cruceros de lujo.

Luz a raudales, espacio interior diáfano o la cubierta jardín son algunas de las claves de la "nueva arquitectura" que Le Corbusier puso en práctica en esta vivienda paradigma de la arquitectura del XX. En la actualidad y tras una profunda restauración, se ha convertido en una casa-museo y está protegida por ser monumento nacional.

Y de las orillas del Sena nos vamos a Pittsburg, a solo dos horas de la ciudad se encuentra la Residencia Kauffman, mundialmente conocida como la Casa de la Cascada del arquitecto americano Frank Llloyd Wright.

Toutes les maisons sont dans la nature. Didier Cornille. París: Helium, 2012

La Casa de la Cascada es un bastión de la arquitectura orgánica, un bello ejemplo de integración de la arquitectura en el medio natural. La casa es en sí un balcón abierto a un espectáculo acuático, un pasaje en medio del bosque en el que la familia Kauffman fijó su residencia de fines de semana.

Los cimientos son la roca, y de ésta sale la mampostería que cubre parte de la fachada; también hay hormigón, metal y una gran chimenea que en el interior parece brotar de entre piedras.

El Sr. Kaufmann, un tipo inteligente pero a la vez práctico, comentó a Lloyd Wright al ver los planos: "pensé que ubicaría la casa cerca de la cascada, no sobre ella", a lo que el sr. Wright contestó tranquilamente: "[...] quiero que viváis con la cascada. No sólo que podáis contemplarla, sino que se convierta en parte integral de vuestras vidas." Y así fue como lo hizo.

Al igual que la de Corbusier en Francia, la casa de Wright es monumento nacional de EE.UU y actualmente ya no es una casa familiar sino un museo por el que pasan millones de visitantes.

Y ahora súbanse al bus de la arquitectura para continuar nuestra gira por otras ilustres moradas como la Casa Eames, la Casa de Santa Mónica de Gehry o la casa de Bordeaux de Rem Koolhaas.

Toutes les maisons sont dans la nature. Didier Cornille. París: Helium, 2012

La pareja formada por Ray & Charles Eames es asidua a la Pequeña ciudad. En numerosas ocasiones hemos hablado de sus diseños de producto, sus juguetes, o su vida en general, ya que en sí, ambos, eran tan brillantes como cualquiera de sus magistrales creaciones.

Su casa-estudio de Palisades (como la que House Industries recrea en su juego de bloques) es un ejemplo de vivienda modular de fácil fabricación y montaje. Tenía dos zonas destacadas, una dedicada a la residencia y otra a trabajo, pero a medida que surgían nuevas necesidades de creación, la vivienda se iba adaptando. Surge así el concepto de flexibilidad, una característica que sigue en uso en la arquitectura y diseño de espacios de la actualidad. La casa fue concebida como un prototipo pero acabó siendo el reflejo del estilo de vida de la excepcional pareja de diseñadores.

Actualmente la casa también funciona como museo y es gestionada por la Fundación Eames. Puede visitarse de lunes a sábado y dice que actualmente se encuentran restaurando y adecuando los edificios por lo que no se puede ver la parte interior. Llamen antes si tienen pensado plantarse en Santa Mónica...

Toutes les maisons sont dans la nature. Didier Cornille. París: Helium, 2012

Las imágenes de la parte superior se corresponden con la Casa de Burdeos del arquitecto holandés Rem Koolhaas y a la Casa Ecológica de Wigglesworth & Till (Londres), pero este fabuloso álbum guarda en sus más de ochenta páginas otras casas de arquitectos como Mies van der Rohe, Frank Gehry o el japonés Shigeru Ban.

Toutes les maisons sont dans la nature es un libro espectacular publicado por la casa de edición francesa Hèlium. A este libro sobre casas que apareció en 2012 le han seguido uno de rascacielos y otro de puentes (de reciente aparición). La ilustración es exquisita, sencilla y sin mayor pretensión que la de sintetizar el alma de de tan grandes creaciones por medio de pequeños detalles. La información que brinda al lector es precisa, está claramente organizada (fíjense en las fichas de presentación de los arquitectos) y seduce, ya que aunque parezca escueta, está ampliamente explicada en las ilustraciones que la acompañan. Es un libro-delicia de los que no deben faltar en las buenas mesas.

El diseño y la arquitectura son dos mundos alucinantes para los más pequeños y Didier Cornille nos da una pequeña muestra de ello en sus libros. Para que estas disciplinas sean así de atractivas, es necesario tener un profundo conocimiento de ellas y una gran capacidad de abstracción que permita al autor (en este caso el diseñador ) expresar de forma clara, didáctica y sugerente grandes conceptos a través de imágenes sencillas, propias de la narración visual de un pequeño lector.

Sirva el post de muestra de admiración y gratitud** a grafistas como Didier Cornille, gracias por explicarnos realidades complejas a través de imágenes sencillas, pero sobre todo por mantener el entusiasmo y la curiosidad de lector (al margen de la edad que éste tenga) desde que abre la primera página hasta la última.

Definitivamente, éste es uno de esos libros que tras cerrar la tapa te quedas pensando "qué pena que se ha acabado". Y hasta aquí la ruta arquitectónica de hoy. Espero hayan disfrutado y recuerden todo lo que han visto antes de comprarse una casa...lo mismo no se la compran y deciden hacerse una adecuada a sus verdaderas necesidades.

Más y más arquitectura, más y más libros en:

** Antes de dar gracias a Cornille he de mostrar mi agradecimiento a Paula Jarrin, por su vida incesante de librera de oficio aquí y allende los mares. Gracias Paula, por tener tiempo para dedicar a los libros de los demás, por hacer de la vida un redondelito perfecto y conseguir además que el ejemplar sea "tan para mí y para siempre". Simplemente gracias, siempre.

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Comunicado navideño de la Pequeña ciudad de P.

December 25, 2014, 10:54 am

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Sí, a lo largo de estos días os lo habrán dicho muchas veces pero seguro que nadie lo ha hecho así.

Para todos:

P&p.

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¿Qué día es hoy?

December 28, 2014, 5:19 am

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Otro año más el Festivalet no defrauda y nos deja pequeños tesoros llegados allende los mares de manos de artesanos, artistas y funambulistas visuales. Entre ellos estaba el Sr. Ferrer, un viejo conocido de la Pequeña Ciudad que el año pasado nos hizo disfrutar de sus libretas del Gabinet de Curiositats y que en esta edición nos dejó boquiabiertos con sus calendarios para el 2015.

El caso es que quedan pocos días para estrenarlo, apenas si quedan huecos en el viejo almanaque del 2014 y ya apremian las ganas de inaugurar el de estos artesanos de la papelería que cada año nos traen desde Palma un montón de propuestas gráficas sugerentes y una selección de productos de los de "buen hacer". Pero dejemos la literatura para más adelante y pasemos a la acción directa. Con todos ustedes, señoras y señoras, el nuevo calendario del Sr. Ferrer

Calendari 2015 del Sr. Ferrer; il. Grip Face. Palma

En esta ocasión, el equipo del Sr. Ferrer ha colaborado con Grip Face, un artista local pop-surrealista cotidiano?, naif? o como quieran denominarlo, pero en cualquier caso un artista particular y brillante (no se pierdan sus intervenciones en espacios públicos, especialmente lo que es capaz de hacer con un cartel de Marlango, jajajaja ¡Bravo!). El tándem de artista-artesano ha dado lugar a esta nueva colección de trabajos denominada Cara B. Se trata de un calendario impreso en Offset (2+2 tintas) sobre cartulina Kraft y una libreta con los mismos materiales. El calendario es desplegable además de espectacular, ya que estas caras de Grip Face no dejan indiferente a nadie.

Enhorabuena a la familia Ferrer por hacer cada año una delicia de papel, bueno, en realidad hacen muchas más, pero en la Pequeña Ciudad nos esforzamos porque al menos una acabe pululando por nuestras vidas hasta el próximo Festivalet.

Salud y larga vida para el Sr. Ferrer & Cía! Ya estamos deseando que sea 1 de enero!

Más "buenas impresiones" en:

http://www.srferrer.com/

http://srferrer.tictail.com/

http://gripface.blogspot.com.es/

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¡Lo has bordao!

January 1, 2015, 6:15 am

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Hace como 8 años llegó a mis manos un disco con una cubierta como no había visto nunca. Yo y mis compañeros de trabajo caímos rendidos ante sus encantos: Pirata, un disco de cantos de amor de la brasileira Maria Betanhia que tenía la particularidad de tener un diseño poco convencional. No tenía ni ilustración ni fotografía, sino algo poco común para las cubiertas de discos: el bordado.

Ilustrar & bordar sólo requiere empezar; el bordado, aparentemente una actividad artesanal muy propia de tiempos antiguos y casi siempre ejecutado por féminas, se abría camino en nuevos soportes y se imponía como una nueva herramienta gráfica. Sus pioneros, los integrantes del grupo familiar Matizes Dumont (madre, hijas e hijo, aquí no hay fronteras de género que valgan) que mucho antes de hacer los bordados para el disco de la hermana de Caetano Veloso ya habían hecho múltiples trabajos para diseño de cubiertas de libros.

Maria Bethânia. Pirata, 2008.

El bordado es un lenguaje, y narrar con hilos en lugar de con palabras es una laboriosa y bella manera de contar historias, de expresar sentimientos y cómo no, de causar impacto al espectador que inevitablemente detendrá su vista ante un trabajo como éste.

Hoy no vamos a hablar de los Dumont, sino de la artista japonesa Mika Hirasa, aka, Micao, una chica de Kobe que después de estudiar en una escuela de negocios y trabajar unos años como analista financiera, cortó los hilos del destino y los usó para bordar esta maravilla de obras.

Desde entonces sus trabajos y narraciones de hebra y alfiler han ocupado las portadas de numerosas publicaciones y han sido exhibidos en numerosas exposiciones. Micao es una artista del bordado, una ilustradora con la única pretensión de que sus ilustraciones se instalen en los corazones de sus lectores gracias al humor, la calidez y la belleza de la sencillez con la que entrelaza sus hilos y telas.

Ya hemos visto como bordan en Brasil, conozcamos ahora el taller de bordado japonés de Mika Hirasa.

Mika Hirasa. Cover para la revista Kutama

De manera autodidacta, Micao se formó en ilustración (sobre todo en aquello que tenía que ver con la ilustración de álbumes infantiles) y tras varios años de aprendizaje en asuntos de tintes, costura y materiales, la bordadora de Kobe comenzó a ilustrar libros, revistas o campañas de publicidad. A continuación, una pequeña muestra del diseño de cubiertas.

Mika Hirasa. Ilustración para cubiertas

Maria Bethânia. Pirata, 2008.

Y algunos trabajos más de ilustración editorial y otros proyectos personales

Mika Hirasa

Mika Hirasa. Diario del 2015

Mika Hirasa. Ilustración para cerámica

Para finalizar el post y tratando de dar la mejor de las bienvenidas al nuevo año, os dejo la propuesta de un enero bordado y cargado de suerte con este gato espectacular de hilos rojos y negros. En realidad, el felino ya ha repartido fortuna, yo me siento una suertuda por haber descubierto el trabajo de Mika Hirasa (algo que ha sido posible gracias a mi querida y admirada Hazel Terry) ¿Y ustedes? no se sienten afortunados de empezar así un nuevo año de esta vida ilustrada?

Creo que sí. Lo dicho: suerte, aguja e hilo para este 2015 que no ha hecho más que empezar.

Mika Hirasa. Calendario 2015

Sobre hilos, agujas y otras hierbas:

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Bouquet de crayons en l'honneur de Charlie Hebdo

January 9, 2015, 10:07 am

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Cover de Ana Juan para el New Yorker. Enero, 2015

20 años atrás, recuerdo ponerme con asiduidad la camiseta Choices de Pearl Jam que rezaba en su espalda "9 out of 10 kids prefer crayons to guns". Esa camiseta ronda mi cabeza desde que el pasado miércoles dos individuos asaltaron la sede de la revista satírica francesa Charlie Hebdo.

Los dos asaltantes, armados hasta los dientes eran el "uno de cada diez" de aquella camiseta, el resto eran los que preferían los lápices.

El próximo miércoles, como cada miércoles, la revista estará en la calle con una cubierta en la que demuestran que la violencia, el odio y la pólvora no han podido con ellos y por supuesto menos aún con la libertad de expresión y el sentido del humor. Sobre un fondo negro leeremos un mensaje que dice "Urgente: se necesitan 6 dibujantes".

Como imagen resumen de la reciente barbarie de París, la de Ana Juan para la cubierta del New Yorker, una entre las miles de muestras de solidaridad y apoyo de la comunidad de artistas, ilustradores, dibujantes o grafistas (magistral la de Lucille Clerc que han atribuido a Banksy, o la de Joann Sfar).

Otras imágenes para Charlie:

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Bifocal: Intersecciones

January 10, 2015, 9:48 am

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En todos los rincones del planeta hay una intersección mítica, un cruce de caminos que cualquier humano con inquietud viajera ha visitado y es capaz de reconocer al instante porque probablemente se haya sacado una foto en esa "esquina emblemática" recomendada en todas las guías de viajes.

Y así, a bote pronto llegan tres imágenes a mi cabeza: Times Square en NY, el cruce de Shibuya de Tokyo y cómo no, Piccadilly Circus en Londres. Nosotros nos vamos hasta la rotonda más retratada del planeta, la londinense, para recoger dos miradas distintas de un mismo lugar: una de día, otra de noche y ambas creadas con apenas un año de diferencia.

Pónganse los cinturones y conduzcan por la izquierda, ¡que estamos en Londres!. Dirección Piccadilly ¡sigan a ese taxi!.

L.S. Lowry. Piccadilly Circus, 1960

Miroslaw Sasek. Night lights of Piccadilly. This is London, 1959

L.S. Lowry y Sasek debieron sentarse en el mismo lugar para dibujar el ajetreo de la archiconocida y archivisitada "plaza de la luz" londinense (el apelativo le viene de los paneles luminosos que envuelven sus edificios). Sus fachadas cubiertas de reclamos publicitarios (antaño neón, actualmente leds), su fuente de Eros (que desde hace años tiene una ubicación más tranquila) o los ineludibles autobuses rojos hacen de este cruce una de las localizaciones más codiciadas por ilustradores, pintores, fotógrafos, etc.

El pintor británico y el ilustrador checo tomaron esta instantánea de la intersección en la misma época, es más, la de Sasek, que parece mucho más moderna está hecha un año antes que la de Lowry, quien nos da una visión menos futurista, más sosegada y "peatonal" del trasiego habitual de Piccadilly.

Los trabajos de ambos artistas tienen un común denominador: las multitudes. Los dos suelen abarrotar de gente los pasajes que recrean con sus lápices y pinturas; el primero, Lowry, fue retratista de la sociedad posindustrial y llevó a sus lienzos las viejas fábricas de ladrillo, los apeaderos de tren o los mercados, en definitiva, sitios donde siempre hay mucha gente. Por su parte Sasek, que puso en marcha estas ilustraciones para su afamada serie de guías de viaje ilustradas This is... también es aficionado a llenar sus escenas de personajes (en este caso podríamos decir que hay más coches que personas), y aunque de manera más brillante, sonora y vivaz que Lowry, los escenarios de Sasek son espacios públicos, abiertos, a los que se va de visita ¿no?

El caso es que todavía me sigue asombrando como en la misma época y con tantos rasgos en común, pintor e ilustrador parecen estar narrando dos mundos distintos, sino fíjense en sus estaciones, apeaderos, mercados, etc

Miroslav Sasek. This is London, 1959

L.S. Lowry. The railway platform, 1953

Sin duda parece que asistamos a dos siglos distintos, pues no señor, son dos visiones de un mismo lugar, dos miradas: una lánguida, cargada de personajes provincianos, sin pretensiones, con el peso de la conciencia de clase sobre sus hombros, etc. Frente a la melancolía del pintor británico están las ilustraciones de Sasek, que transpiran progreso, son más cosmopolitas, sofisticadas... son imágenes de futuro (fíjense en lo adelantado que iba Sasek en temas de interculturalidad) totalmente alejadas del costumbrismo de Lowry.

Miroslav Sasek. Piccadilly Circus Underground Station originally for This is London, 1959

Miroslav Sasek. This is London, 1959

L.S. Lowry. Market scene in a Northern Town, 1939

Miroslav Sasek. Drugstore for This is New York, 1961

L.S. Lowry. Fun Fair at Daisy Nook, 1953

En cualquier caso, el trabajo de L.S. Lowry tardó años en mostrarse al público, puesto que en su tiempo fue poco aclamado por la crítica y los galeristas- estos pensaban que era un simple aficionado con cierto talento para el paisajismo urbano; incluso un periodista/cretino del The Times comparó sus pinturas con las de Dónde está Wally-. Ya en el XXI y gracias al empuje de diversas personalidades del mundo de las artes y la cultura, Lowry fue encumbrado al olimpo de los grandes de la pintura británica y la Tate le dedicó una retrospectiva con la que pretendía hacerse justicia.

Miroslav Sasek. This is Cape Canaveral, 1963

L. S. Lowry llenó sus cuadros de matchstick men u "hombres-palillo" y este recurso fue usado también por Miroslav Sasek. En ambos artistas, los personajes tienen una carga social bien distinta, al igual que los escenarios y las atmósferas. En cualquier caso, dos maneras de ver una ciudad, una práctica ilustrada que ya vimos en un post anterior acerca de la Barcelona de Zabala vs Arnal Ballester y que ahora disfrutamos con Sasek y el pintor de la bruma industrial Laurence Stephen Lowry.

A esta lente que nos permite ver la misma cosa de dos maneras distintas vamos a llamarle BIFOCAL, una nueva sección de la Pequeña ciudad en la que los lectores podréis disfrutar de las diferentes visiones de artistas sobre un punto común.

Y hasta aquí la visita al Londres de L.S. Lowry y de Miroslav Sasek. ¿Dónde volveremos a encontrarnos? No lo sé. Mientras tanto, disfruten de la estancia.

Más de ambos en:

http://www.sothebys.com/es/news-video/videos/2014/02/anatomy-artwork-lowry-piccadilly-circus.html

http://www.theguardian.com/artanddesign/2011/oct/03/lowry-painting-auction-piccadilly-circus

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/08/14/actualidad/1376476385_220945.html

http://www.miroslavsasek.com/index.html

http://pequenhaciudad.blogspot.com.es/2014/07/las-dos-barcelonas.html

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Mr.Ray, el Rex de los azulejos

January 18, 2015, 8:04 am

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Rex Ray

Rex Ray es un funambulista. Camina sobre la delgada cuerda que separa el diseño comercial del arte o el trabajo digital del hecho a mano. El artista y diseñador de San Francisco debe el reconocimiento mundial a sus collages, técnica que utiliza tanto para pintar sobre papel, lienzo o tablilla- en ocasiones las tablillas mutan en paneles de grandes dimensiones, se convierten en enormes murales-. Su obra ha paseado por todo el mundo y ha sido visible gracias a trabajos realizados para grandes figuras y marcas como Bowie, REM, Patty Smith, el emporio de la manzana, Rizzolli...

La fotografía, la tipografía, las texturas y esas formas básicas fiel reflejo del mid century son algunos de los factores que le han dado a su estilo el reconocimiento del que goza en todo el planeta. Una pequeña muestra de sus trabajos

Rex Ray

Rex Ray. Póster gira REM, 2008

Además de los murales, las cubiertas de libros y discos y los pósters, el prolífico Ray experimenta constantemente con otros campos del arte y del diseño- hace unos años pasaba cubierto de gloria por el mundo de la LIJ con la ilustración del archipremiado álbum infantil10.000 dressesjunto al autor Markus Ewert, un álbum LGBT en el que el protagonista no está conforme con el cuerpo dentro del que le ha tocado bailar y gracias a la amistad, la confianza y unos cuantos vestidos vence sus miedos y supera sus frustraciones-. Otra de las vías de exploración de Rex Ray es la cerámica, en concreto el mundo de las baldosas y los azulejos, materiales de interiorismo a los que en raras ocasiones prestan atención los diseñadores.

En concreto hablamos de MMM y Rox una línea de azulejos de cerámica hechos a mano con 2 propuestas de diseño diferentes/combinables, inspirados en los diseños de la época dorada y disponibles en siete colores- acabado mate-.... ¿demasiada explicación? mejor pasemos directamente a verlos

Rex Ray Studio: MMM & Rox Tiles

Estos son las propuestas del estudio de Rex Ray para una casa de cerámicas americana que pretende recuperar estos materiales cerámicos, tan populares en la decoración americana de mediados de siglo. Estas baldosas hechas a partir de formas sencillas y con diferentes texturas vienen en hojas (como las teselas) preparadas para ser colocadas en muros tanto exteriores como interiores (parte de la versatilidad de las piezas reside en que la cara superior es plástica, siendo apta incluso para suelos o piscinas) y están hechas a mano (de hecho si quieres tener un muro tan supermoderno como este has de encargar los azulejos).

Rex Ray es indiscutiblemente un icono del diseño, una especie de Alvin Lustig del s. XXI que ha conquistado la mirada de medio mundo gracias a su sensacional técnica de combinación de texturas y formas sencillas por medio del collage. En sus propias palabras "un niño raro", que con solo 10 años mostraba auténtica fascinación por las tiendas de diseño de su Alemania natal, que con 10 años ya pintaba y dibujaba cosas que al parecer poco distan de las que actualmente hace.

En muros, libros o lienzos, Rex Ray deja su particular sello personal, un sello reconocible al instante por cualquier lector de la narrativa visual; los 60 y los 70 fueron los años de su formación, años que marcaron profundamente su línea de trabajo y que gracias a ellos es quién es en la actualidad, una figura brillante del diseño multidisciplinar.

Un colllage de lecturas sobre Rex Ray por aquí:

http://www.rexray.com/

http://www.thatcreativefeeling.com/rex-ray-modern-modernist/

http://jilldupre.blogspot.com.es/2011_09_01_archive.html

http://www.seedsandfruit.com/2009/05/rex-ray-fine-artist-and-commercial-designer/

http://designernotes.modwalls.com/tag/rex-ray-tile/

http://www.modenus.com/catalog/m/modwalls/p/rex-ray-rox-3

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Amores partidos

January 23, 2015, 5:22 am

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Hay amores perrunos, amores que matan y otros que sin quitarte la vida te mutilan y te parten en dos. Estos últimos, los amores partidos son los de la ilustradora francesa Marion Fayolle ¿aún no la conoce.? pues adelántense que ya van tarde.

Marion Fayolle for Muze Magazine

Marion Fayolle

La Fayolle ha publicado en Francia con Michel Lagarde un libro llamado L'homme en pieces (Nobrow se ha encargado de la edición en inglés: In pieces) una joya ilustrada que nos habla de las relaciones personales a la par que un hermoso libro de poesía visual en el que las metáforas más comunes son explicadas a través de imágenes como las que veis en el post.

No sé si decirle cómic, ni tampoco si decirle álbum, lo que tengo claro es que es un libro que quiero, por su ritmo de narración visual y porque tal vez, tras su lectura, pueda entender algo más de las relaciones humanas y de los lazos que nos unen o nos separan de las personas con las que nos cruzamos en la vida.

No se despisten, estén atentos, porque Marion Fayolle y su sociología partida e ilustrada va a dar mucho que hablar (atentos al libro sobre piedras& ternura que está acabando para Magnani). Si es necesario ¡pártanse en dos! para conseguir alguno de sus libros; de momento aquí ya nos estamos rompiendo la cabeza para tenerlos en la biblioteca de la Pequeña Ciudad.

Más Fayolle, que parte y reparte:

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Un conejo en la fiambrera

January 23, 2015, 6:35 am

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El arranque del post puede hacer referencia a varias cosas:

a) el tupperware que te llevas a la oficina para la hora de comer con lo que tu madre te ha cocinado el fin de semana anterior

o

b) el típico animalillo de mago despistao que en lugar de aparecer en la chistera se ha ido al lugar equivocado

Pues temo decirles que ni a ni b, que siempre hay un término medio y en esta ocasión tanto el conejo como la fiambrera son un tema de artistas, ilustración, galerías y libros ¿qué? ¿se van enterando ahora? por si las moscas, pasemos a detallar los pormenores de este extraño encuentro.

Sonia Pulido. Exposición Caza de conejos. Madrid, 2015

Sí lectores, Caza de conejos no es una de esas llamadas sanguinarias para exterminar mamíferos de pelo espeso y orejas largas que comen zanahorias ¡no! por supuesto que no, es una llamada a todos aquellos seguidores de la ilustradora Sonia Pulido y resto de humanos motivados por la vida ilustrada que podrán hacer sus delicias en la Galería/ Multiespacio La Fiambrera de Madrid y que podréis disfrutar hasta el 22 de febrero.

Sonia Pulido. Caza de conejos

En la expo podréis ver los originales que la ilustradora Sonia Pulido hizo para el libro de Mario Levrero que publicó el Zorro Rojo. El trabajo de la artista está íntegramente realizado en papel (sin retoque digital) y la particular atmósfera de sus dibujos, a caballo entre lo absurdo y lo surreal, está basada en el lúgubre mundo de la caza: el marrón de la tierra, los rojos de sangre y el negro para el humor y la ironía.

Una fantástica exposición para todos los que paseáis por el Madrid ilustrado y una excusa perfecta para visitar la mítica calle Pez de los Modlin (los Modlin vivían en el 3 y La Fiambrera está en el 7). Allí nos vemos.

Todo ésto y algo más en:

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Los murales de Hedof

January 25, 2015, 9:09 am

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Rick Berkelmans (aka Hedof) es un ilustrador y diseñador holandés con sede de operaciones en Breda. Desde allí puso en marcha un laboratorio ilustrado que fundamenta sus líneas de investigación en torno a tres componentes bomba: las imágenes, el color y la tipografía.

A partir de aquí surgen un montón de imágenes sencillas y desenfadadas de acabado vintage a las que Hedof llena de carisma. Nos dice cosas difíciles a través de imágenes aparentemente sencillas- pero todo aquello que nos parece informal es realmente en lo que más ha pensado y trabajado. Nada es casual en sus dibujos.

Para dar la bienvenida al artista, comenzaremos conociéndolo por sus pinturas murales y más en concreto por las que realizó el año pasado en el muelle de la ciudad con motivo de la rehabilitación de la zona como espacio de recreo. Rodeado del río y enormes árboles se encuentra el multiespacio al que ha puesto cara Hedof, unas dependencias del ayuntamiento de Breda que aunque "informales", en relación con otras casas consistoriales, están más que bien pensadas y el resultado es la prueba.

Hedof. Muelle de Breda

Hedof realiza todo tipo de proyectos, desde los más comerciales a otros más artesanales, como el caso de sus series de serigrafías, una técnica con la que trabaja en numerosas ocasiones porque lo que a él más le gusta del mundo es la impresión print-print-print!. Ha hecho trabajos de ilustración para Anorak, Heineken, Playstation, un packaging alucinante para Lipton Tea, Spotify, Google, Red Bull, Casio o un mural para Facebook con la historia de América que finalmente no usaron (es alucinante, ellos se lo pierden)

Pero para saber un poco más de este chico entusiasmado ...

Hasta aquí el paseo por el muelle de Breda cortesía del sr. Berkelmans. El camino continúa por su web, un espacio repleto de imágenes frescas de colores brillantes y tono cartoon que les atrapará al instante. Ahí les dejo la puerta abierta.

Berkelmans&Hedof, Hedof&Berkelmans:

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